The glittering field

Ha no kage,
Kaze ga wataru,
Hikari no kirameki

(Schattenspiel der Blätter,
Wind, der hindurchstreicht,
Schimmerndes Licht)

– Bashō

Alles begann mit einem Glitzern, knapp außerhalb des Sichtfelds. Ein unaufhörliches Flimmern, scheinbar zufällig, dann ein vorsichtiges Muster, das sich allmählich formte und schließlich mit wachsender Beharrlichkeit strukturierte. Auftauchende Fragmente einer Übertragung…

Die Frage blieb bestehen: Warum schimmert alles? Was ist dieser Impuls zur Übertragung? Warum übertragen? Zu welchem Zweck die Übertragung?

Ich hielt den Gedanken für einen langen Moment fest und erlebte dann einen Aha-Moment mit Eduardo Kohns Buch How Forests Think. In diesem Buch behauptet Kohn, dass das, was wir (Menschen) mit dem Wald teilen, nicht nur bio-materialer Natur ist, sondern auch Geist. Wenn wir Augen haben zu sehen und Ohren zu hören, findet Übertragung immer statt, innerhalb und zwischen den Arten, unaufhörliche Weitergaben von verteilter Kognition.

Vor diesem Hintergrund ist The Glittering Field eine Assemblage von Künstlerinnen und Denkerinnen, die sich diesen Überlegungen, diesen Reflexen und Reflexionen dieses allgegenwärtigen Geistes widmen.

Für diese Übung bewegen wir uns über diasporische Perspektiven hinweg und greifen Relais von Positionen des Verlustes, des Diebstahls, der Entführung, der Migration, der kulturellen Fragmentierung, der Zensur, der rituellen Wiederbelebung, des Remixes, der improvisierten Resonatoren, des imperialistischen Nachbeben-Rauschens… Die Etymologien von Technik / Text / Textilien fungieren als Kondensatoren für das Plündern persönlicher und politischer Archive— um diese Übertragung zusammenzusetzen.

Wir bewegen uns auf zwei Ebenen: einer x-Achse und einer y-Achse.

X Marks the Spot

Stellen wir uns den X-Faktor als den räumlich orientierten Vektor vor, der Objekte in 3D erzeugt. Technik / Text / Textilien – wörtlich der Webstuhl erhebt sich metaphorisch und praktisch. Praktiker des Kett- und Schuss-Webens wie Marcia Harvey Isaksson und Ilya Noé befassen sich mit Webtechniken, um die Überlieferung der Ahnen neu zu gestalten und weiterzugeben. Mit der Übersetzung von (Geno)typ in Text(ilien) setzt Noé ihre Erkundung ihrer Genealogien fort, indem sie versucht, die Chromosomen ihrer Mutter, ihrer indigenen Abstammungslinie und ihrer mitochondrialen Mutationen (neu) zu weben. Harvey Isakssons Werkreihe Kiruna to Kimberley, I Seek You in My Dreams, Holy One, Witnesses, Stimela und Big Hole nutzt die Alchemie der Materialien, um das Heilige an Orten kolonialistischer Ausbeutung zurückzurufen, wiederherzustellen und neu zu verorten.

Janusha Kenganathan greift ebenfalls auf die Überlieferung der Vorfahren durch die Bearbeitung von Textilien zurück. Der Tod eines geliebten älteren Menschen weit entfernt über dem Ozean findet in Moksham eine intime Neuinterpretation hinduistischer Bestattungsriten. In enger kultureller Verwandtschaft entzündet Pallavi Keshri das Mysterium der Sprache mit ihrem interaktiven Werk 47 Days of Devanagari Type. Das Mysterium der Äußerung wird durch das Mysterium des Schreibens verstärkt: Wie ist es möglich, dass wir Klang in Zeichen, in Form, in Linie, in Bedeutung verwandeln? Daniela Flores Arias‘ Numbers are not Mathematics schenkt uns das Spiel, indem sie uns einlädt, in die experimentelle Erfindung eines Alphabets einzutauchen. Mein eigener Beitrag, Glittering Witness, eine Übung in spekulativer Genealogie, nutzt ebenfalls ein Inventar geschriebener Zeichen – in diesem Fall die technischen Geheimnisse der ASCII-Codierung – um das Vergessene wiederzuerwecken.

In der „Satelliteninstallation“ Protest Lounge vollzieht Holger Schmidhuber zarte Wiederauferstehungen auf verworfenen orientalischen Teppichen durch mutige Punk-Poetik. Diese privaten Hymnen paaren sich mit Ayọ̀ Akínwándés Neugestaltung von sorgfältig gesammelten Nachrichtenclips von Demonstrationen und Protesten aus dem Jahr 2019 – dem sogenannten „Jahr der Proteste“ –, die jetzt in Live-Jam-Sessions umgewandelt wurden.

Diese Ballade von Text, Technik und Textilien wird durch die rätselhaften Magnets-Gemälde von Andreeva Tatyana, der Tochter von Anna Andreeva, einer renommierten Textildesignerin der Sowjetzeit, kraftvoll unterstrichen. Tatyana Andreeva, eine ausgebildete Mathematikerin, führt die künstlerische Linie an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Kosmogonie fort. Mutter und Tochter navigierten geschickt ideologische Parteigrenzen und verbargen ihre Vorliebe für die Darstellung von Kybernetik und Quantenfeldtheorie. Magnets war Teil eines experimentellen Projekts, das ursprünglich 1974 für das zentrale Touristenhaus in Moskau in Auftrag gegeben wurde. Diese komplexen optischen Geometrien, die mutig die Ästhetik des Verschwindens und die Dynamik der Neuorganisation behaupteten, wurden damals zensiert, doch im wahren Fluss der textilen Immanenz präzipitieren sie in die Gegenwart.

The Y Factor

Y has a long tail and two branches
— typische Antwort nigerianischer Eltern auf die Frage „Warum?“

Wenn unsere x-Achse Raum-Zeit repräsentiert, stellt unsere y-Achse Zeit-Raum dar, und damit ein Reliquiar von zeitbasierten Artefakten.

Es gibt die Vorstellung, die sich in unzähligen Kulturen angesammelt hat, dass, wenn Dinge ausgelöscht und vergessen werden, sie aussterben. Doch lernen wir aus denselben Ursprungsmythen von der Wiederbelebung: Die Trompete mag erklingen, der Trommelschlag ruft herbei, was tot ist, könnte sich neu formen und wiederauferstehen.
Sterne verglühen, aber es dauert Äonen, bis der Nachthimmel die Leere registriert – vielmehr bleibt uns ein Flimmern als Zeugnis, ein unaufhörliches Schimmern, das uns zur Weitergabe anspornt, zu einem Wechselspiel mit kosmischen Phantomen. Dies zeigt uns, dass, wenn die Materialität der Dinge zerfällt, selbst wenn das Signal unterbrochen oder zerfallen ist, wir zumindest eine Geste hinterlassen. Eine Geste, die sich als Impuls für Klang registrieren könnte, wobei das Sonische zunächst als Portal fungiert und sich dann zu einer Umgebung für den Wiederaufbau ausbreitet. So beantwortet die Y-Achse ihre Fragen im audio-visuellen Spektrum.

Eric D. Clark setzt sich daran, das klassische Gedicht In the Life des queeren afroamerikanischen Dichters Essex Hemphill neu zu interpretieren, indem er es in unsichtbare House-Musik-Frequenzen einbettet und seinen Wirkungskreis erweitert, indem er den Gully Queens von Kingston, Jamaika, Tribut zollt und dem Text eine ganz eigene Frische verleiht. Mit گايبنعناعgay bi na3na3 erkundet Phoenix Atala ddie nordafrikanische Temporalität, indem er die Klangzauberei von Beats, Samples und MCing nutzt, um drei Generationen seiner Künstlerfamilie in einer spekulativen akustischen Neuinterpretation des Cafés seines Großvaters im Marrakesch der 1950er Jahre zu verschmelzen. In Fric? geht James Hannaham der Identitätsfrage nach, während eine fragende Roboterstimme, die nach einer „schwarzen amerikanischen“ Stimme modelliert wurde, versucht, ihre Ursprünge zu artikulieren. Thy Truongs sirenenartige Installation fish scales grow feathers greift auf das Archetypische zurück, um Klanglandschaften als intensive Erforschung diasporischer Identität zu nutzen. Grisha Colemans Movement Undercommons zeichnet präzise (mit computergestützter Hilfe) die Poetik gestischer Merkmale nach, die über Generationen hinweg und über weite Migrationsstrecken weitergegeben und übertragen wurden. Ebenfalls zu sehen sind Auszüge aus Colemans echo::system, einem langjährigen Performance-Projekt, das sich über zwei Jahrzehnte durch „Aktionsstationen“ entfaltet, die nach imaginären ökologischen Lebensräumen gestaltet sind und mit spezifischen Mythologien ausgestattet sind. In turn / return setzt Sweat Variant (Okwui Okpakwasili & Peter Born) Okpokwasilis Forschung zur Rolle des Rituals bei der Verflechtung vergangener und zukünftiger Generationen fort. Mirelabais, A Personal History ist Kettly Noël mündliche Erinnerung an ihr Erwachsenwerden in einer haitianischen Provinz. Glittering Witness, ein Video, das digitale Drucke mit ASCII-Zeichen begleitet, ist eine spekulative Beschwörung von Ahnen, insbesondere von Außenseitern, die in ihrer Zeit im Leben ebenso ausgelöscht wurden wie im Tod.

So gesehen ist The Glittering Field eine überschwängliche Kollision von Zeitsignaturen und Modalitäten; eine Konvergenz von unaufhörlichem Schimmern und aufgeregtem Rauschen. Unsere rudimentären Achsenpunkte x und y könnten zahlreiche Dimensionen hervorbringen, aufstrebende Zonen, die mit den Machenschaften des Geistes auf- und absteigen. Ein sich ständig entwickelndes Ökosystem, eine dynamische Umgebung flüchtigen Zeugnisses und Erfassens.

About the curator

Onome Ekeh bringt eine einzigartige interdisziplinäre Perspektive ein. Auf beiden Seiten des Atlantiks geboren und aufgewachsen, begann OE als Malerin, wechselte zum Design, verliebte sich ins Kino und ging irgendwo auf dem Weg digital. Unterwegs entwickelte sie eine Leidenschaft für künstliche Intelligenz. Als Veteranin der New Yorker Downtown-Szene umfasst ihr vielfältiges Werk Film, Video, Theater, Literatur und Radio.

Sie ist Trägerin zahlreicher Auszeichnungen und Stipendien, darunter das Jerome Foundation, das Greenwall Foundation Fellowship, ein Turbulence Media Award und das Künstlerhaus Büchsenhausen Fellowship. Kürzlich stellte sie im House of Electronic Arts Basel (HEK) aus und wird in der kommenden Publikation der Serpentine Gallery, The Shape of the Circle in the Mind of a Fish, präsentiert. Im November eröffnet sie eine Einzelausstellung im Museo Modern in Buenos Aires. OE lehrt derzeit an der Basel Academy of Art & Design in der Schweiz.

Teilnehmende Künstler*innen

Ayọ̀ Akínwándé 
Daniela Flores Arias 
Phoenix Atala
Eric D. Clark 
Grisha Coleman 
James Hannaham
Marcia Harvey Isaksson
Janusha Kenganathan 
Pallavi Keshri
Ilya Noé
Kettly Noel 
Holger Schmidhuber 
Andreeva Tatyana 
Thy Truong
Sweat Variant